Alain de Métropotamie

La postérité est souvent bien ingrate, mais en matière d'art, j'ai remarqué que cette ingratitude est souvent heureusement momentanée. Espérons qu'il en sera ainsi pour Métropotamie qui fut une des aventures artistiques les plus singulières et les plus intéressantes de la scène picturale française de la deuxième moitié .

Saint Sébastien, La fabricaton des osties

Ce nom étrange recouvrait un collectif de deux peintres qui s'affublèrent de nom tout aussi bizarre. Il y avait Alain I er de Métropotamie et Saint Sébastien de Metropotamie.

Saint Sébastien de Métropotamie, le retour du troupeau

Si on ne sait pas dans quelles conditions exactes ils se sont rencontrés, on peut supputer que le coup de foudre mutuel fut immédiat. La rencontre a lieu en 1979. Alain qui a alors à peine la trentaine a commencé depuis quelques temps une carrière de peintre. Il cherche un modèle pour un saint-Sébastien, il voit dans le garçon de dix sept ans qu'il vient de rencontrer un modèle idéal. Lorsque le futur saint-Sébastien rate son bac, la même année que leur rencontre, l'épreuve de français s'étant transformée en réquisitoire contre la société et ses professeurs, le lycée de Saint Germain le renvoie. L'adolescent décide de s'enfuir de chez sa mère (son père est décédé alors qu'il était encore enfant), infirmière à l'hôpital de Saint-Germain-en-Laye et surtout véritable marâtre. Il ne la reverra plus.

Sain Sébastien de Métropotamie, troupeau de rombières sauvages

Grande exposition de peinture

Le garçon trouve refuge chez son ami peintre. Un soir, après avoir travaillé un mois comme coursier au Louvre des antiquaires, avec son premier salaire, il achète le tableau sur lequel Alain l'a peint.

Saint Sébastien de Métropotamie peint par Alain Ier de Métropotamie

Un jour que le jeune modèle agaçait le peintre en le regardant travailler, Alain lui flanqua pinceaux et peintures dans les mains.

 l'embarquement pour la Tendresse " (1982), Alain 1er de Métropotamie

Alain, qui était autodidacte, apprit au garçon ce qu'il savait; ainsi le modèle qui avait servi à la création du tableau d'un martyr de Saint Sébastien sortit de ce tableau en quelque sorte pour devenir à son tour peintre. Il choisit de s'appeler Saint Sébastien de Métropotamie. Ainsi commença une aventure picturale qui devait durer treize ans et n'être interrompu que le 31 juillet 1992 à la mort de Saint Sébastien de Métropotamie. Ils partagèrent tout ce temps un même atelier de 12 m2. Ils s'influencèrent mutuellement, s'encourageant à s'inspirer l'un de l'autre. Pourtant, même s'il y a une indéniable parenté entre les tableaux d'Alain et ceux de Sébastien, il est facile de repérer qui des deux est l'auteur de tel ou tel tableau. La facture des toiles de Sébastien, qui utilise le plus souvent l'acrylique, est plus léchée, plus précise que celle d'Alain. On peut y reconnaitre les influences directes de Courme, de Clovis Trouille et aussi celle d'Erro, avec de fréquentes incursions dans ses toiles de personnages historiques ou de figures et d'évènements contemporains à l'élaboration du tableau. S'y invitent également de nombreuses références autobiographiques. N'écrivait-il pas: << Nos images crient nos angoisses, nos désirs, nos fantasmes, la dérision de cette vie que l'on ne peut supporté que dans la liberté.>>. On y reconnaît sa mère, sa soeur, ses perroquets, ses chiens et son ami Joaquim Ferreira qui lui a fait connaître les lumières du portugal qui devint son pays d'adoption. La peinture d'Alain est plus originale, plus surréaliste, moins habile que celle de Sébastien. Elle a parfois la maladresse des tableaux de Magritte. Alain de Métropotamie a produit plus que Sébastien qui n'eut le temps que de peindre une soixantaine de toiles. Alain, quant à lui, doit être l'auteur du double; quelques rares oeuvres furent exécutées à quatre mains. Les images d'Alain sont hantées à la fois par l'antiquité romaine et par le paysage du métro parisien.

En 1983 aux éditions Loris Talmart, ils font paraitre un manifeste illustré ayant pour titre leurs deux noms. Ils y attaquent à la fois la peinture figurative classique et l'art abstrait. On peut y lire des saillies que ne désapprouverait pas aujourd'hui un Jean Clair, telles que: << Les deux grands courants de peintures chiantes de notre temps: le premier est une mosaique de peinture ringarde à base de pots de fleurs, de marines, de portraits d'idiotes, de biche égarée dans un sous bois, de nature crevées, ect. Ce style figuratif n'évoque rien de précis. Il résulte d'un enseignement dispensé par des fonctionaires de l'art dans des conservatoires bidons; la personalité y est mal vue et l'imagination interdite. Ces tableaux sont un panachage de fauvisme, d'impressionisme. Ils peuvent pourtant être jiliment conçus et faire très chic accrochés au-dessus du buffet (...) Une classe sociale peureuse et dénuée d'imagination se reconnaît dans ces images: c'est une rengaine picturale qui rassure et berce les digestions du repas familial. Le deuxième, tourné vers un avant-gardisme dont les agents culturels nous inondent, n'évolue plus depuis belle lurette: Ses exécutants sont devenus des avant gardistes conservateurs. Ce sont des individus creux, paresseux, sans volonté, qui, un jour, lors d'une exposition, ou au travers de reproductions entrevirent là, le moyen d'exister avec le moindre effort.>> et plus loin: << Parce que les amateurs et les collectionneurs la considèrent trop souvent comme un simple investissement, la peinture d'aujourd'hui se trouve liée à l'idée de préciosité, et perd son sens primitif, celui d'être vue par tout le monde.>> 

souriez avec Wharol, acrylique 116x89

(ce tableau a été volé en juin 1993 à Paris. Il fut aperçu quelques jours plus tard exposé à la vitrine d'un antiquaire du quartier Montparnasse. Un client non averti, a acheté cette peinture avant qu'il soit possible de la récupérer. A ce jour le tableau n'est toujours pas retrouvé. Une enquête judiciaire est ouverte. Pour toute information vous pouvez contacter le blog)

Saint Sébastien s'il était autodidacte en peinture était un fin lettré et connaisseur de l'histoire de la peinture tout comme Alain. Il y a de nombreuses allusions à des peintres célèbres dans leurs oeuvres, Chirico, Dali pour alain, Warhol Picasso chez Sébastien, chez qui en outre Mona Lisa était un personnage récurrent de ses tableaux.

Histoire de pince tétine et tétine pincée, enfin déridée, huile 33x24, 1987, Saint Sébastien de Métropotamie

Il faut êtrez extrêmement attentif devant les toiles de Métropotamie pour en décrypter toutes les arcanes, car les citations, entre autres picturales, y sont nombreuses. J'ai cru par exemple, dans "l'embarquement pour la tendresse reconnaitre dans le garçon roux et fessu à l'avant de la barque un des choupinets peints jadis par Elisarion von Kupffer...

La peinture de Métropotamie se veut signifiante, narrative et non décorative. 

Saint Sébastien de Métropotamie, Mona au bistrot, 1990 

Pour faire connaître leur production, ils eurent la géniale idée d'éditer en grandes quantités des reproductions de leurs tableaux sous forme de cartes-postales. Ils en confiaient la vente à d'accortes jeunes gens qui, parcourant les rues, proposaient leurs images aux passants. Ainsi, rapidement, en quelques années leurs tableaux et leurs noms furent connus d'un vaste public, non seulement en France, mais aussi au Canada, au Portugal et en Amérique du sud. Cette démarche audacieuse n'était que l'application concrète du précepte qu'ils édictent dans leur manifeste: << La peinture ne vit que par la masse des regards.>>.

La notoriété de Métropotamie était-elle qu'en 1990 fut éditée une télécarte avec la reproduction de deux de leurs tableaux.

Saint Sébastien de Métropotamie, Paysage gainsbardique (1987) 

Métropotamie était suivi par quelques collectionneurs fidèles qui parfois n'attendaient pas que la peinture soit sèche pour acquérir une toile.

Le temps, huile 65x54, 1987, Saint Sébastien de Métropotamie

Est-ce cette reconnaissance populaire d'hier, qui déjà n'était pas du goût du microcosme de l'art parisien, que par son silence, l'intelligentsia fait payer à ces artistes à l'intégrale originalité.

Alain de Métropotamie (à gauche sur la photo) et Saint Sébastien de Métropotamie peignant dans leur atelier

Saint Sébastien de Métropotamie

Il y a longtemps qu'Alain, qui ne peindrait plus n'a pas donné de ses nouvelles... Les cendres de Saint-Sébastien furent dispersée dans les rue de Lisbonne par Joaquim. 

Enlèvement de saint Sébastien dans de difficiles conditions (hule 100x81), Saint Sébastien de Métropotamie

Le martyre de saint Sébastien (huile 33x24), Saint Sébastien de Métropotamie)    

Alain Ier de Métropotamie

 attaués par un essaim de lunettes, 1985,Saint-Sébastien de Métropotamie

Les jeux du cirques (huile 146x114), 1985, Saint-Sébastien de Métropotamie

Saint-Sébastien de Métropotamie

Alain de Métropotamie

Pompéi vu par Alain 1er de Métropotamie

Nota

1- Ce billet doit beaucoup à Joaquim Ferreira qui a eu l'obligeance de répondre à mes questions et me fournir de nombreux documents.

2- Je cherche toutes images des tableaux d'Alain de Métropotamie ainsi que des renseignements biographiques sur ce dernier.

Le bout de la plage, acrylique 60x80, 1991, dernière toile peinte par Saint Sébastien de Métropotamie    

Paris, 16 mars 1985

La belle affiche de l'exposition Paul Klee à la cité de la musique ne tient pas toutes ses promesses. Car s'il y a de nombreuses oeuvres, plus de 150, ce sont surtout des dessins, ce qui est un peu fâcheux pour cet artiste que je tiens surtout pour un merveilleux coloriste. Le lieu de l'exposition oblige, le thème de Paul Klee polyphonie est le rapport que Klee et sa peinture entretint avec la musique. C'est présenté de façon claire et pédagogique. Klee a hésité longtemps entre la musique et la peinture; d'ailleurs dans sa jeunesse, il a gagné sa vie comme violoniste dans un orchestre. A l'entrée on prête gratuitement un audio guide qui permet de suivre la visite accompagné des musiques que Klee a aimées, dans les interprétations qu'il a connues.  

Si cette manifestation met bien en lumière la parenté de l'art de Klee avec celui de son ami Kandinsky mais aussi avec ceux d' Arp et Delaunay, elle vérifie les limites de l'artiste. Il me semble que ce qui a manqué à Klee pour être un aussi grand peintre que Kandinsky, c'est sa relative faiblesse artisanale. Sa peinture manque souvent de fini, alors qu'elle demanderait une exécution parfaite. Il reste néanmoins que Klee ouvrit bien des voies, à la peinture d'un Oscar Gauthier par exemple, en étant une sorte de pont entre l'abstraction lyrique et l'abstraction géométrique.  

 

 


                                                        Extase de la danse, 1912

 

 

 

La Boîte de Pandore, 1920

 

 

Les marionnettes du Guignol de Klee

 

 

Esquisse pour 1920/176
 

                                                   Sans Titre, Grand Croquis géométrique ( pochoir), 1928
 

 

 

                                                   Pyramide, 1930

 

                                                        Spectre musical, 1940
  

Paris, décembre 2011

Kyoto, Japon, octobre 2010

Venise, juillet 2010

Il y a peu de temps je faisais part de l'émotion que j'avais eu en découvrant « Le roi des aulnes » de Michel Tournier (voir le billet Michel Tournier se raconte), en étant assuré de tenir entre les mains un livre d'un homme qui serait dans le futur considéré comme un grand écrivain, je ne suis pas sûr, sauf pour le titre cité, que la postérité donne raison à mon émotion première et le lecteur que je suis devenu ne lui donnerait pas tort. C'est un sentiment voisin que j'ai eu en lisant la bande dessinée de Timothé Le Boucher, « Skins party ». Etant persuadé d'avoir découvert (en ce qui me concerne) un auteur qui comptera dans le futur, si les petits cochons ne le mangent pas, comme disait mon père... La première chance de Timothé Le Boucher pour son premier album, est d'être bien édité par un éditeur dont je n'avais jamais entendu parler avant: manolosanctis. Skins Party se présente sous la forme d'un beau volume de 108 pages sous une couverture cartonnée. Le papier a une belle main et l'impression est sans bavure. On oublie trop souvent que le livre est aussi un objet.

Petite précision sur le titre: Une « skins party », c’est une soirée où se réunissent adolescents et jeunes adultes pour danser au son de musiques diverses déversées à forts décibels prétexte à ingérer moult alcools et drogues, une fête sexuelle aussi, où tout est permis le temps d'une nuit.

Très bonne idée de commencer le livre, puis chaque chapitre qui sont conçu comme des nouvelles graphiques indépendantes, chacun dévolu à un des personnages, par un dessin en pleine page. Ce procédé permet au lecteur de mieux rentrer dans le monde du dessinateur. Il y a toujours, un effort à faire pour un lecteur de bande dessinée pour appréhender la vision du monde proposé par un dessinateur qui est plus brutale, du fait de l'image que lorsque l'on aborde un roman où l'on se fait doucement notre alchimie entre ce que les mots de l'auteur proposent et notre imagier mentale plus ou moins grand. Ces pleines pages, toutes d'un érotisme inventif, sont flatteuses pour le talent de Timothé Le Boucher, il faut bien reconnaître que toutes les cases ne sont pas de cette qualité. Le dessin d'un style que l'on peut qualifier de ligne claire se caractérise par des figures délimitées par un trait fin noir, précis et sûr. Les personnages se détachent sur un décor limité à l'essentiel, c'est sur les décors, maisons ou voitures d'un graphisme trop mou que l'artiste devra progresser (il semble que c'est déjà le cas lorsque l'on visite son blog, visite que je vous recommande chaudement, où j'ai repéré un beau dessin de villa; il suffit de cliquer sur son nom qui suit Timothé Le Boucher), parfois de simple aplats de couleurs. Ces dernières vraisemblablement posées numériquement sur le dessin sont souvent de nuances subtiles dans des tons allant du sourd au fluo. Chaque chapitre ayant une atmosphère et un nuancier propre. Le dessinateur en terme de mise en couleurs raisonne par double page transformant certaines de celles-ci en de beaux camaïeux. La froideur du dessin au néanmoins indéniable érotisme, met une utile distance avec le trash de l'histoire. Chaque page présente un gaufrier assez régulier et simple. Elle est divisée en trois bandes horizontales contenant de une à trois cases. Son sens de l'ambiance est a rapprocher de celui d'un autre dessinateur à peine plus âgé que lui, Bastien Vives, mais ici au service d'une intrigue beaucoup moins languide que celles de son ainé.

Mais peut être encore plus fort que le dessin est l'ingéniosité du scénario dont on ne décrypte l'infernale mécanique qu'une fois lu la dernière page. La progression inéluctable du drame nous enveloppe dans l'effroi petit à petit à mesure que l'on s'attache aux nombreux personnages néanmoins tous bien campés dans leur singularité. Tous des adolescents réunis dans une grande maison, que l'on imagine sise dans un beau quartier à la lisière de la ville, pour une fête où rien ne sera interdit. Le lieu est imprécis la villa se transforme parfois en boite, à ce propos voilà un lieu bien peu présent dans la fiction et presque totalement absent dans la bande dessinée. L'habile découpage appelle une version cinématographique d'autant que « l'éclairage » de chaque scène est très étudié, là encore fait rarissime dans la bande dessinée. De quoi réjouir le chef op et le chef électro de l'adaptation de cette histoire au cinéma que je me plais à espérer (la grosse difficulté d'une telle entreprise serait le casting) Avec cet album en main il n'y a plus qu'a tourner...

Il n'en reste pas moins que le choix d'une fin particulièrement sanglante me paraît discutable, avec ses avantages et ses inconvénients. En ce qui concerne les avantages, en premier lieu elle renforce la cohérence du propos en tirant le récit vers le conte horrifique, le rendant ainsi plus universel et le tirant vers le mythe. Il n'y a ni datation précise, ni ancrage géographique déterminé, même si par quelques détails on sait que l'on est en France, mais on peut facilement transposer le drame ailleurs, et maintenant, mais cela pourrait se situer demain ou il y a cinq ans. Le coté gore renforce également le coté mécanique implacable du scénario. L'inconvénient principale est que la noirceur finale (j'essaye de ne pas trop spolier, le suspense étant un élément non négligeable du récit) fait qu'elle rend moins plausible cette histoire et freine l'identification ( donc l'émotion ) avec les personnages. A propos d'identification je subodore, mais peut être que je fais complètement fausse route) que l'auteur n'est peut être pas très éloigné d'Alexandre... Si j'avais a réaliser l'adaptation pour le cinéma de Skins party, j'en adoucirais la fin et je le situerais très précisément dans le temps (par la musique par exemple) et l'espace (ce qui veut dire un pénible repérage) pour renforcer le coté sociologique qui affleure, probablement d'une manière inconsciente de la part de l'auteur. Je suis conscient que ce serait une petite trahison; mais toute adaptation en est pas une? 

Timothé Le Boucher revendique l'influence de la série britannique skins, mais le sous texte de l'album est encore moins politiquement correct que celui de la série, c'est dire! Fait encore extrêmement rare encore dans la bande dessinée occidentale l'auteur représente frontalement la sexualité, tous les désir avec leurs fantasmes et leurs conséquences. Une autre inspiration est facilement décelable celle du « Hole » de Charles Burns (on peut aller voir le billet que j'ai consacré au dernier livre de ce grand auteur: Toxic de Charles Burns ) tant pour l'âge des personnages que pour la noirceur du propos. L'atmosphère de Skins party m'a aussi fait penser à l'atmosphère du film « Simon Werner a disparu de Fabrice Gobert. Quant à la construction en plus rigoureuse c'est à celle d'un autre film qu'elle fait penser à « Elephant » puisque l'on revit, comme dans le film de Gus Van Sant, certaines scènes plusieurs fois par les yeux des différents acteurs du drame.

Au delà de l'histoire effrénée et de l'élégant érotisme du dessin « Skins party » nous rappelle que tout acte à ses conséquences.

On a hâte, une fois refermé ce passionnant album, de connaître le prochain de l'oeuvre de Timothé Le Boucher, espérons qu'il ne nous fera pas languir trop longtemps...

Le sanctuaire shintoiste de Yasukuni-jinja est un immense espace dédié aux 2,5 millions de combattants qui se sont sacrifiés pour défendre leur pays de 1868 à la fin de la seconde guerre mondiale. Il a été créé en 1868 alors pour honorer les défunts de la guerre civile qui a précédé l'avènement de l'ére Meiji. C'est aussi un des nombreux oasis de calme et de verdure de la capitale japonaise. On y rentre en passant par une grande porte qui ouvre sur une large allée jusqu'à la statue de Omura Musujiro (1824-1869) l'initiateur de l'armée japonaise moderne. Puis on passe sous un immense torii pour accéder au sanctuaire proprement dit.

Outre le temple et les différents lieux dédiès à des activités traditionnelles, scène de théâtre Nô, salle pour les rencontres de sumos... le principal intérêt de l'endroit est le musée Yushukan qui présente un panorama, surtout à partir de l'ère Meji des guerres qu'a livrées l'armée japonaise.

Les collections sont impressionnantes, avec à l'entrée un véritable "zéro", l'avion emblêmatique de l'aviation japonaise durant la dernière guerre. 

De nombreuses vitrines pédagogiques, même pour ceux qui ne lisent pas le japonais (il y a quelques indications en anglais), évoquent les grandes batailles de l'armée japonaise. Dans certaines de ses présentations, on peut voir des effets personnels de soldats tombés au combat, uniforme taché de sang, lettre à la famille...

Plusieurs tableaux et quelques sculptures sont mis au service de l'héroisation du soldat japonais...

Le tableau immédiatement ci-dessus montre les vedettes suicides qu'à la fin de la guerre les japonais lancèrent contre les navires de guerre américains. Ces gestes héroiques, tout comme ceux des pilotes des avions kamikazes ou des marins qui dirigeaient les torpilles suicides provoquèrent que peu de dégâts à la flotte américaine.

De superbes maquettes de la flotte nipponne de la dernière guerre donnent une réalité matérielle au lecteur passionné de Zipang que je suis...

La salle la plus spectaculaire est celle présentant une réplique d'un planeur utilisé par certains kamikazes ainsi qu'un sous marin torpille monoplace utilisée pour des opérations suicides. Un manga très intéressant de Syuho Sato, L'ile des téméraires, raconte cet épisode des torpilles suicides. 

Une vaste vitrine offre une reconstitution impressionnante d'une attaque de navires américains par une escadrille américaine. 

Le plus émouvant sont les murs de photographies de tous ces jeunes hommes qui sont morts au combat.

Tokyo, octobre 2011