Vu de la hune

Close film du Belge Lukas Dhont, en lice pour la Palme d'Or, suit Léo (Eden Dambrine) et Rémi (Gustav de Waele), deux garçons de treize ans, amis à la vie à la mort. 

L'insouciance de leur enfance dans la campagne belge, rythmée par les récoltes de fleurs dans les champs à perte de vue qui entourent leurs maisons, va être percutée par l'entrée au collège.

Tout à coup, le regard de leurs congénères sur cette amitié trop fusionnelle, trop physique à leurs yeux, va s'immiscer: si Rémi ne change rien à son comportement, Léo va peu à peu s'éloigner, désireux de faire plus "garçon" pour mieux coller à la norme masculine dominante: hockey sur glace et burgers, plutôt que promenades champêtres et inventions d'histoires.

La première chose qu’il faut dire est que la vision de Close est une épreuve. Certes je suis une mauviette et un coeur d’artichaut mais j’ai passé la seconde moitié du film à tenter de retenir mes larmes. Le cinéaste aurait pu abréger notre douleur d’un quart d’heure, le film en aurait été que meilleur.

Maintenant je conseille à ceux qui n’ont pas encore vu le film et veulent le voir de ne pas aller plus loin dans la lecture de ce billet car je vais gravement déflorer le scénario de Close.

Tout d’abord il y a l’été, dans la campagne belge, les vacances, deux garçons s’aiment d’amour tendre. Il y a Rémi le brun (Eden Dambrine) et Léo le blond (Gustav de Waele). Amis depuis toujours, Ils sont plus que des frères. Ils sont aussi voisin, leurs familles habitent près l’une de l’autre. Ils ont environs douze ans. Bientôt c’est la rentrée. Ils intègre le collège. Leur amitié fusionnelle interroge et même provoque l’hostilité chez quelques un de leurs camarades. Mais une sorte de boutade lancé par une camarade un anodin: « Vous êtes ensemble ? » va profondément déstabiliser Léo, faire qu’il va s’interroger sur le sens des petits gestes d’affection qu’ils échangent. Est ce la peur d’être jugé trop féminin Léo, petit à petit s’éloigne de Rémi. Léo choisit d’entrer dans l’équipe de hockey sur glace du collège. Un sport brutale en opposition avec l’amour de la musique de Rémi (?). Même s’il n’abandonne pas Rémi, Léo fréquente d’autres garçons. Rémi en est jaloux. Il voudrait Léo pour lui tout seul. Le fossé devient de plus en plus grand entre les deux amis. Rémi ne pouvant le supporter se tue. Léo est désespéré et tente en vain tout les subterfuges pour oublier Rémi mais il lui manque trop.

C’est ce j’ai vu dans ce film qui fait passer cette histoire tragique presque uniquement par les images qui sont belles et pudiques. C’est en cela que Lukas Dhont est un grand cinéaste. Il a confiance en l’image. Certes il est bien servi par son chef opérateur, Frank van den Eeden qui jouant subtilement sur les couleurs des saisons parvient à matérialiser la durée de l’intrigue soit environ une année scolaire. Si les gros plans sur les visages, en particulier sur ceux des deux garçons sont privilégiés se que l’on retient surtout c’est la magnificence des travellings des garçons courant dans les champs de fleurs mais encore plus ceux où l’on voit les deux amis faire la course montés sur leur bicyclette. Si bien qu’un autre spectateur pourrait avoir une compréhension légèrement différente de l’intrigue. On peut être bouleversé par « Close » sans entendre un mot du dialogue qui n’est vraiment significatif que dans une scène. La densité de l’image parvient à nous faire ressentir ce qui se passe dans la tête des personnages.

L’absence d’explications, de voix of ou de dialogue signifiant fait que l’on comprend certains éléments de l’intrigue bien après leur première apparition sur l’écran. Ainsi on ne comprend pas d’emblée que les parents de Léo sont pépiniéristes. Il font pousser des fleurs. Ce métier d’une part permet de réaliser de belle images comme la course des deux garçons dans un champ de fleurs et d’autre part, peut induire que Léo qui aide ses parents dans le travail des fleurs est près de la terre, on le voit les mains maculées  de glaise, qu’il est près du concret plus que Rémi qui a la tête dans la musique et dans ses rêves.

Close est un film qui oblige, par sa construction, son spectateur à réfléchir, pendant et surtout après avoir vu le film

Peu informé verbalement sur ce qu’il voit sur l’écran, le spectateur se posera beaucoup de questions dont la plupart ne trouveront pas de réponses; comme celles que se posent les parents de Rémi sur les causes du suicide de leur fils. L’une des interrogations qui immédiatement s’est imposée à moi après avoir vu tout le film, est pourquoi la mère de Rémi réagit avec tant de violence lorsque son fils s’enferme à clé dans la salle de bain, salle de bain où elle découvrira quelques semaines plus tard le corps sans vie de son fils. Le garçon aurait-il déjà fait une tentative de suicide? Ce qui pourrait expliquer la réaction violente de Léo lorsqu’un de ses camarades de classe lui dit que Rémi avait toujours l’air heureux. Léo lui rétorque avec hargne qu’il n’avait pas le droit de dire cela, qu’il n’en savait rien. Qu’est ce que Léo savait du mal être de son ami? Mais alors son éloignement de Rémi ne serait pas le seul motif de la funeste décision prise par son ami? Mais dans ce cas pourquoi endosse t-il la responsabilité de la mort de Rémi? En définitive ce qui a déclenché l’acte suicidaire du garçon reste mystérieux, ce qui est presque toujours le cas lors d’un suicide. Entre Léo et Rémi il ne s’agissait pas à priori d’une rupture définitive mais plutôt d’une brouille. Rémi semblait avoir des parents attentionnés et aimants. Il avait subit des moqueries au collège mais pas plus que d’autres, ce qui est montré, et avait fini par bien s’intégrer dans le groupe… On peut être également surpris de la proximité de Rémi avec son frère ainé (Igor Van Dessel très bien aussi dans ce rôle opaque); s’interroger sur le couple que forme les parents de Rémi… etc… etc…

La beauté des deux garçons irradie. Beauté qui fait fructifier l’excellence de leur qualité d’acteur. Comme celles du reste du casting qui est excellent, une mention spéciale à Émilie Dequenne bouleversante en mère de Rémi.

Le film aborde un thème presque jamais traité au cinéma et ni ailleurs l’amour entre deux enfants, en fait ici deux pré-ados et un autre presque aussi tabou qui à ma connaissance n’avait été jusqu’à »ici brisé que par « La chambre du fils » de Moretti, l’impossibilité de « faire son deuil » expression détestable on ferait son deuil comme on ferait caca. On tirerait la chasse d’eau et fini. Ceux qui ont inventé ce fallacieux concept ne savent pas ce que signifie perdre un être que l’on a aimé sans doute ne savent ils pas ce que c’est qu’aimer… La dernière scène du film suggère que Léo n’oubliera jamais Rémi. Oh certes il n’y pensera pas à chaque instant de sa vie. Mais durant toute la marche de son existence qu’on espère longue pour lui il sentira cette perte comme un caillou dans sa chaussure et cela jusqu’à son dernier pas…   

"Amis depuis toujours, Léo et Rémi sont trop +close+ (proches, ndlr) aux yeux des autres, ils vont beaucoup se faire juger, surtout quand Léo va vouloir être dans le groupe des garçons cool", résume Eden Dambrine.

Le réalisateur et ses deux jeunes acteurs

Sue (Gina Gershon), la petite cinquantaine encore consommable, est l’attachée de presse du film de Philippe, un jeune cinéaste favori pour recevoir la récompense principale au festival de cinéma de Saint-Sébastien. Elle y emmène Mort, son mari nettement plus âgé qu’elle et passablement amorti, écrivain au devenir incertain mais ancien brillant enseignant de cinéma. Arrivé en Espagne de New-York E ne tarde pas à s’amouracher du jeune cinéaste sémillant son client et à laisser tomber son vieux mari hypocondriaque qui va découvrir les charmes du pays basque espagnole qu’il va découvrir grâce à une belle cardiologue (Elena Anaya).

Mort est le porte-parole de Woody Allen, l’intellectuel new-yorkais type comme l’imagine Woody Allen: forcément juif, de Brooklynd bien, frustré et en analyse comme il se doit et surtout éminemment cinéphile. Mort rêve de cinéma ce qui nous vaut quelque hommage en image et en noir et blanc de la part de Woody Allen à quelques uns de ses cinéastes préférés: Bergman, Welles, Truffaut, Bunuel, Godard et plus étonnant Claude Lelouche mais  bien d’autres son cités Fellini, John Ford, Chaplin, Capra…

Dans ce qui risque, hélas, mille fois hélas d’être son dernier film Woody Allen malicieusement nous offre un condensé de son cinéma avec donc un salut à ses pairs cinéastes, une tendre carte-postale comme lui seul sait les faire, de Saint-Sébastien, ville pour laquelle à la sortie du film on a qu’une envie s’est de prendre l’avion pour s’y rendre, une réflexion sur le couple, la vie et la mort (Christoph Waltz) avec laquelle Mort, sur la plage, engage une partie d’échec…

Comme toujours chez Woody Allen le casting est aux petits oignon, à commencer par Mort, le double du cinéaste joué par Wallace Shawn, lui-même grand intellectuel que Woody Allen avait fait débuter au cinéma en lui donnant le rôle de Jeremiah, l’ex-mari de Diane Keaton dans Manhattan. On l’a revu chez Woody dans Radio Days(1987), Ombres et brouillard (1992), Le Sortilège du scorpion de Jade (2001) et Melinda et Melinda (2005). Il a aussi joué dans My dinner with André de Louis Malle. Et puis on peut le voir actuellement dans la formidable série  Young Sheldon préquelle  de la non moins formidable série Big bang théorie. Woody Allen s’explique de son choix d’avoir pris Wallace Shawn pour le rôle de Mort: << Wally possède un vrai talent pour la comédie, tout en sachant rendre ses personnages poignants. Mais surtout, c’est un véritable intellectuel. J’avais envisagé des acteurs qui étaient peut-être intellectuels, mais chez qui cela ne se ressentait pas. Du coup, je me suis demandé pourquoi ne pas carrément engager un comédien qui soit un vrai intellectuel. Dès l’instant où j’ai évolué dans ma réflexion, le nom de Wallace Shawn s’est imposé.>>. Le cinéaste a eu le même souci de ressemblance dans son choix pour le rôle de Philippe. Il cherchait un mauvais acteur français, un bellâtre qui se la pète, ça ne pouvait qu’être Louis Garrel dont la suffisance bovine a naguère plombée quelques film, en cinéaste prétentieux parfaite tête à claque, il est parfait. Le film permet aussi des retrouvailles agréables avec des comédiens que j’avais un peu perdus de vue comme Elena Anaya admirée dans Parle avec elle. Et La Piel que Habito   d’Almodovar et dans un rôle plus modeste Richard Kind, l’inoubliable  l'attaché de presse Paul Lassiter dans Spin City, ici en père de Mort.

Avec Rifkin's on passe 90mn avec des gens presque tous intelligents dont on subodore qu'ils sentent tous bons, dans un hotel  superbe situé dans une ville non moins superbe à revisiter quelques grandes heures du cinéma guider par un émouvant professeur que demander de plus... 

Pour tout les amoureux de cinéma Rifkin’s festival sera un délice.

Paris, juin 2022, photo B.A